Für alle Figuren in der Animation wurden Spielzeug-Spielfiguren verwendet und damit frenetische, überaus surreale Geschichten mit absurdem Humor inszeniert. Und obwohl die Figuren Französisch sprechen, kann man der Handlung ohne Übersetzung folgen, im Gegenteil: das nicht wirklich verständliche Gebrummel der Pferdes und das hysterische Gekreische des Indianers und des Cowboys haben ihren ganz eigenen Charme.

Rating 8/10

Was zuvor geschah: Casino Royale
Mit dem Vorgänger Casino Royale, der zum ersten mal Daniel Craig in der Rolle des Agenten 007 sah, wurde die Figur des James Bond komplett umgekrempelt: der neue Bond ist nicht mehr der opportunistische Bonvivant, der unverwüstlich und gnadenlos Schurken jagt und gutaussehende Agentinnen mit Schirm, Charme und Martinis flachlegt. Der neue Bond ist ein gebrochener Mann, den die korrupte Welt anwiedert und der in seiner Arbeit eine gewisse Sinnlosigkeit sieht, da sie ja die Welt insgesamt nicht wesentlich besser macht.
So passierte in Casino Royale auch das bis anhin undenkbare: Bond gedenkt seine Agenten-Karriere an den Nagel zu hängen und zwar wegen einer Frau: Vesper Lynd. Sie ist ebenfalls Agentin in der britischen Geheimdienstabteilung MI6 und wird mit Bond auf gemeinsame Mission geschickt – sie verlieben sich und Bond macht ihr einen Heiratsantrag.

Später stellt sich heraus, dass sie erpresst wurde und zur Doppelagentin wurde -  als Bond alles entlarvt nimmt sie sich vor seinen Augen das Leben – er muss zusehen wie die Liebe seines Lebens, in einem Fahrstuhl eines versinkenden Hauses eingesperrt, ertrinkt.

Die zweite Folge: Quantum of Solace
Der aktuelle Bond Quantum of Solace knüpft zeitlich an Casino Royales Ende an. Damit wird eine Neuerung in die Bond-Reihe eingeführt: die Geschichte wird zum Fortsetzungsroman. Bonds emotionale Verletzung ist offensichtlich, die Erinnerungen an Vesper Lynd allgegenwärtig. Mit dem Schritt zur Fortsetzung handeln sich die Macher jedoch ziemlich Probleme ein. Denn der Film muss jetzt nicht nur die angefangene Geschichte weiterspinnen, sondern auch noch eine neue Geschichte aufziehen.
Diese neue Geschichte ist konfus erzählt, sie verlagert sich während der äusserst kurzen dauer des Films an verschiedenste Schauplätze in Italien, Österreich, England, Bolivien und Haiti, ist aber im Grunde ziemlich dünn:

[Bonds] Gegenspieler Dominic Greene versucht, den General Medrano als Staatsoberhaupt von Bolivien einzusetzen. Dieser Plan findet die Unterstützung der CIA, welche sich im Gegenzug Ölvorräte für die USA ausrechnet. Als Gegenleistung für seine Hilfe verlangt Greene von Medrano ein scheinbar wertloses Stück Land. Tatsächlich befinden sich dort große unterirdische Wasservorräte, die Greene teuer verkaufen will. Unterirdische Staudämme haben künstlich eine Dürre herbeigeführt.

Quelle : Wikipedia

Diesen Plan gilt es nun zu vereiteln. Das gelingt alles – allerdings erst nach dem Bond eine Reihe von Hindernissen aus den Weg räumt.

Wie dem auch sei. Die Geschichte ist schon fast nebensächlich – der Versuch der Fortsetzung scheitert aber genauso. Fortsetzungen sind fürs Kino ja nicht wirklich bahnbrechend. Dass die Bond Macher auf diese Karte gesetzt haben, hat vermutlich mehr damit zu tun, dass sehr erfolgreiche Serien wie LOST oder Dexter angefangen haben, die dramaturgischen Regeln neu zu definieren. Spannungsbogen sind dort viel komplexer und Figuren können viel vielschichtiger konstruiert werden, als dies in Spielfimen möglich wäre.  Die bondsche Übertragung dieser Neuen Regeln scheitert, da weder Bond noch die anderen Figuren aus dem MI6, geschweige denn die Bösewichte, weiterentwickelt werden. Mit der Ausnahme von M (Judy Dench) und Bond bleiben alle platt wie Flundern.
Dass das Serienkonzept nicht funktionieren kann, liegt auch am Grundprinzip, auf dem Serien basieren: Serien die bis zu 24 Episoden pro Staffel haben, besitzen viel mehr Spielraum für dramaturgische Konzepte. Dass diese aber ausgeschöpft werden können liegt auch daran, dass zwischen der Ausstrahlung der Episoden lediglich eine Woche liegt und nicht zwei Jahre wie das bei Bond der Fall ist, zumal bei Bond auch kein Prolog angeboten wird im Stile von „Was bisher geschah“.

Dass Quantum of Solace von Marc Forster inszeniert wurde lässt einen umso mehr wundern, ist doch Forster sonst sehr begabt darin, den Figuren Tiefe und der Geschichte Drive zu verleihen. Was mit Casino Royale sehr viel versprechend angefangen hatte, hätte durch eine Grösse wie Forster zu einem wahren Meisterwerk werden können.

Bemerkenswert scheint mir letzten Endes nur eines: der Schnitt der Actionszenen. Diese sind in einem ungeheuren Tempo zusammengefügt. Es sind schon fast hypnotisierende Kompositionen, in denen man schnell Orientierung und Gespür für Distanzen verliert, doch das macht die Szenen durchaus interessant: die Handlung fliesst und wirkt selten ruppig. Schnell geschnittene Szenen sind ja auch keine sensationelle Neuigkeit – immerhin sind sie aber gut gemacht.

Zum Schluss bleibt noch die Frage: Was genau soll der Rummel, der in der Schweiz zu Anatole Taubmann abgeht. Taubmann der die Figur Elvis spielt, hat kaum Text und ist ziemlich nebensächlich was die Handlung angeht, so dass es doch eher erstaunt wenn er hierzulande als der „Bösewicht“ im neuen Bond gehandelt wird. Ist er nicht. Er ist langweiliges Kanonenfutter für die richtigen Bad Guys. Und welchen Teufel Forster geritten haben mag als er sich entschied, dass die einzige Sprechszene Taubmanns ausgerechnet ein Telefonat zwischen ihm und seiner Mutter auf schweizerdeutsch über das heisse Wetter in Haiti sein musste, möchte ich ja nicht im Traum erfahren. Da will man nur noch im Sitz verschwinden, wenn man das hört und ist froh, dass der Rest der Welt die schlecht gespielte Peinlichkeit wenigstens nicht versteht.

Rating 5/10

IMDB

Trailer:

Soweit die im grunde sehr vorhersehbare Geschichte, etwas kurz erzählt. Was den Film bemerkenswert macht, ist Ricky Gervais’ Leistung als sozial inkompetente Nervensäge Bertram Pincus. Gervais, der in der britischen Version von The Office den oberätzenden Chef David Brent gespielt hat, ist diese Rolle auf den Leib geschrieben. Wie schon in The Office gibt es zuhauf unangenehme Situationen in denen Pincus instinktiv das Falsche macht und sich dann durch irgendwelche unbeholfene Peinlichkeiten aus der Situation zu retten versucht.
Neben seiner äusserst kauzigen Art gibt er zudem billigsten Zahnarzt-Humor zum Besten.
Zu empfehlen, wenn man mehr oder weniger immun gegenüber 0815 Romanzen-Gedöns ist.

Rating 6/10

IMDB

Trailer:

Der Film thematisiert die Art und Weise wie sich Institutionen die pflegebedürftige alte Menschen aufehmen sich als Ort der Ruhe und des kreativen, aktiven Alters präsentieren und dabei den Tod und das Sterben komplett ausklammern, obschon er allgegenwärtig ist. Ziemlich schonungslos, aber mit einer guten Portion bissigem Humor, wird die ganze Aufmachung der Heime als Gewissensberuhigung für Kinder, die ihre alten, kranken Eltern aus dem Weg haben wollen entlarvt.

Der Film besticht durch seine Vielschichtigkeit: so ist nicht nur der Umgang mit dem baldigen Sterben des Vaters, sondern auch das Verhältnis der Geschwister unter einander ein tragendes Element. Zum ersten Mal sind sie gezwungen zusammen Verantwortung zu tragen, eine Tatsache die Wendy fast unersträglich erscheint, da sie ihrem älteren und wesentlich erfolgreicheren Bruder gegenüber einen Minderwertgkeitskomplex hat.

Der Film ist witzig geschrieben, zum teil herausragend gespielt. Wer in einer ähnlichen Situation steckt, oder auf sich zukommen sieht, dem/der wird dieser Film unter die Haut gehen.
Einziges Minus: hat gelegentlich Längen.

Rating: 7/10

IMDB

Trailer:

Aus dem Filmpodium Programm:

Hartnäckig hält sich das Fehlurteil, wonach Filmschauspieler möglichst wenig zu tun hätten, weil jede Geste zu viel auf der Leinwand sogleich theatralisch wirke. Unser bewährter Mann für frische Blicke, der Filmregisseur und -dozent Fred van der Kooij, tritt in fünf Vorlesungen an, mit diesem Klischee aufzuräumen.

Van der Kooij Ausführungen sind kurzweilig und interessant, zudem illustriert er seine Ansichten mit FIlmausschnitten. Diese zeigt er zum Teil in analysierten Fassungen ein zweites Mal, wobei er jeweils Gesten und körperhaltungen hervorhebt.

Folgende Punkte haben sich für mich herauskristallisiert:

Theater vs Film
Das Theater ist in seiner Form viel freier als der Film. Dieser ist sehr stark an den Realismus gebunden, rein schon durch die Präsenz realer Gegenstände und Originalschauplätze. Im Theater bietet die Kulisse die Möglichkeit zur Abstraktion, die dann auch im Spiel aufgegriffen werden kann. Gleichzeitig ist jede Spielsituation im Film auch geprägt durch komplette Künstlichkeit, da der Realkulisse die Künstlichkeit des Sets mit seinen Lampen, Maschinen, Markierungen am Boden etc gegenüber steht.
Der heftigste Unterschied jedoch liegt im Umgang mit dem Spannungsbogen der Schauspielerischen Leistung. Während Schauspieler für ein Theaterstück die Spielspannung über 2-3 Stunden Konstant hich halten können müssen, müssen Schauspieler auf einem Set sich inner Minuten auf dieses Niveau „pumpen“ um dann nach dem Abdrehen einer Einstellung 1 stunde warten zu können bis die nächste Klappe geschlagen wird. Dieses auf und ab muss dann jedoch meist über Tage und Wochen geschafft werden.

Repertoire der Gesten
Schon seit dem Stummfilm machen sich Schauspieler minuziös geplanter und akribisch geübter Gesten zu nutze um ihre Figuren zum leben zu erwecken.
Als Beispiel bringt van der Kooij hier einen Ausschnitt aus King Kong in dem ein Regisseur eines Stummfilms einer Schauspielerin (Fay Wray) Anweisungen gibt, wie sie zu reagieren hat wenn sie das Unfassbare sieht. Eine lustige Kombination aus Anweisung und Umsetzung.
Dieser Clip enthält die Szene ab der 4. Minute:

Bezüglich komplett internalisiertem Gestenrepertoire ist natürlich Isabelle Huppert sehr intensiv. Eine Analyse einer etwa 80 sekündigen Szene aus Malina ergab etwa 35 verschiedene Gesten, die Huppert macht und damit sehr fahrig, aber nie theatralisch wirkt. Die Analyse kann im Trailer auf der Website der Vorlesungsreihe angeschaut werden.

Ein weiteres Beispiel ist Eleanor Boardman die im folgenen Ausschnitt eine Frau spielt, die von ihrem Mann verlassen wird. Ab 2:43 sehen wir ihre Reaktion darauf. Extrem eindrücklich die Verwendung von fahrigen Gesten die ein nicht wahrhaben wollen signalisieren und Pausen, die wie ein realisieren der Situation scheinen. Sie fährt sich mit ihrer rechten Hand an den Kopf und nimmt dort allerhand Positionen ein. Darauf kommt die Linke Hand auch an Ihren Kopf und sie fährt mit einer komplett symetrischen Bewegung fort.

Brigitte Helm
gezeigt wurde auch ein Ausschnit mit der relativ unbekannten Schauspielerin Brigitte Helm, deren bekannteste Rolle die Maria aus Fritz Langs Metropolis ist. Van der Kooij hält Helm für massiv vielseitiger als es die Dietrich oder die Garbo je waren. Die Ausschnitte die er zeigte, liessen ihn Recht behalten; ab sofort ist Brigitte Helm meine neue Glitz & Glam Heldin der 20er / 30er Jahre.
Brigitte Helm (was für ein charmant uncooler Name, jedoch einiges cooler als ihr echter: Schittenhelm) gab das Schauspiel jedoch mitte 30er Jahre komplett auf, als sie nur noch für Rollen gecastet wurde in denen sie einen Engel spielt der sich in einen Vamp verwandelt oder umgekehrt.

Hier ein Ausschnitt aus Die wunderbare Lüge der Nina Petrowna (1929, Regie Hanns Schwarz)

Und der Anfang von G.W. Pabsts Abwege (1928)

Website der Vorlesungsreihe samt Trailer

Während meines Studiums in der Filmklasse Hochschule der Künste wurde uns in einem Drehbuchseminar einmal die Aufgabe gestellt, Ideen zu einer Szene einer konfliktreichen Situation zu liefern. Darauf habe ich eine Szene die am möglicherweise letzten Tag im Leben Ingeborg Barz‘ spielt. Sie war ein RAF Mitglied der ersten Generation und gilt als untergetaucht. Aussagen von RAF Mitgliedern nach sei von Andreas Baader umgebracht worden, dies konnte aber nie belegt werden, eine Leiche wurde ebenfalls nie gefunden. Angeblich wurde Barz liquidiert nachdem sie sich geäussert haben soll aussteigen zu wollen.

Diese eigentlich harmlose Situation liess bei meiner Dozentin die Emotionen hochgehen: „Über die RAF kann man keine Filme machen“. Auf die Frage hin wieso den nicht kam eine etwas konfuse Antwort: „Das ist ein Wespennest, in das sie lieber nicht hinein trampeln. Die Leute reagieren sehr emotional und irrational auf das Thema RAF.“

Soweit so gut. Beziehungsweise: ist das tatsächlich unmöglich? So unmöglich nun offenbar doch wieder nicht. Was jedoch bedeutet es einen Film über die RAF zu machen?

Nur schon das Vorhaben, die Geschehnisse möglichst wahrheitsgetreu zu wiedergeben und die Figuren so echt wie möglich zu gestalten ist eine ziemlich Herausforderung.

Das möglichst wahrheitsgetreue Wiedergeben der Ereignisse ist eindeutig die einfachere Aufgabe. Im grossen Ganzen sind die Vorgänge klar, doch im Detail wimmelt es von Widersprüchen und gegenteiligen Aussagen oder es fehlen schlicht jegliche Hinweise auf Details von Geschehnissen. Im Film werden Inszenierung und Original-Fernsehberichte geschickt miteinander Verbunden, so dass während des Films die Inszenierungen als Angemessen verifiziert werden kann. Das ist ein interessanter Ansatz, da die inszenierten Gewaltszenen völlig übertrieben wirken. Schaut man sich jedoch die Tagesschau-Berichte über Attentate an so sind Blutbäder und von Kugeln zersiebte Autos allgegenwärtig. Geteilter Meinung kann man über das Manipulieren von Originalaufnahmen sein: in den Fernsehberichten wurden Fahndungsfotos der echten Terroristen durch Imitate mit den Schauspielern ersetzt. So verschwimmt die Grenze zwischen Inszenierung und Fiktion umso mehr, zum Guten oder Schlechten sei dahingestellt.

Die Gestaltung der Figuren ist umso schwieriger: Reichen die Aufnahmen (grösstenteils auf Tonband) der Hauptakteure der RAF für die Schauspieler um authentische Figuren zu schaffen? Die Aufnahmen an sich sind ja im Grunde alles auch Inszenierungen, seien es Gerichtsaufnahmen, Radiosendungen oder die Verlesung eines Manifests zur Gründung^ der RAF. Abgesehen von den individuellen Leistungen wurde vor allem bei den beiden Hauptfiguren Ulrike Meindorf und Andreas Baader aus mir nicht ganz klaren Gründen darauf geachtet dass es klar wird dass sie die intelektuelle und er der aufbrausende Gewalttätige ist. In der Realität scheint das aber etwas anders Gewesen zu sein, so könnte Baader ebenso allen das Wort im Munde umdrehen oder einen auf maoistische Propaganda-Gymnastik machen.

Was die individuellen Leistungen angeht: Martina Gedeck leistet meines Erachtens als Ulrike Meinhof ausgezeichnete Arbeit. Sie hat diese wirre Theorie-Leier extrem gut drauf, dazu spielt sie sehr glaubhaft und mit viel Gefühl für die Situation.

Moritz Bleibtreu ist ein Trampel. Vielleicht hat man ihn deswegen ausgewählt, wer weiss. Aber er spielt Baader als coole Actionfigur, definitiv ein schlechter Zug.

Des weiteren fällt Bruno Ganz für seine komplett überkandidelte Darbietung als Präsident des Bundeskriminalamtes Horst Herold auf. Alle Reden mit irgend einem deutschen Akzent, ausser der Herr Ganz. der spricht hervorragendes Bühnendeutsch mit rollendem rrrr als müsse er (wieder einmal) den Klischee-Nazi geben.

Sebastian Blomberg  fällt hingegen positiv in der Figur des Rudi Dutschke auf. Er bringt die Figur mit extrem viel Charisma.

Dramaturgisch gesehen stellt sich die Frage, ob nicht doch zu viel Manipulation im Film betrieben wird, vor allem auf der Tonebene. Muss ein Film über die RAF einen peitschenden, dramatischen, genretypischen Soundtrack haben? Wie hätte Fassbinder die Geschichte inszeniert? Eben. Wahrscheinlich ohne Musik und ohne vollausgesteuerter Tonspur die mit allen möglichen Soundeffekten aufgemotzt wurde.

Alles in allem jedoch kein schlechter Film, zumal man in zweieinhalb Stunden eine gute Zusammenfassung der ersten Jahre der RAF bekommt, die von der Spannung her keine Hänger hat und dazu anregt, sich intensiver mit dem Thema zu befassen.

IMDB

PS:
Als kleiner Bub (c.a. 1978) ging ich immer gerne auf den Schrottplatz in unserer Nähe. Dort hielt ich jeweils nach Unfall-Autos Ausschau. Mit den blutverspritzen Sitzen und eingeschlagenen Scheiben sahen die genau so aus, wie die Autos die ich im Fernsehen sah, wenn über die Brigate Rosse berichtet wurde.

Lässt man die Dialoge im Original so bereichert man zwar den Film um Shakespeares beeindruckende sprachliche Vielfalt, läuft aber Gefahr, dass die Schauspieler an den sprachlich doch eher ungewöhnlichen Brocken scheitern, auch wenn sie noch so ihren Spass an den grossartigen Texten haben. Ausserdem besteht die Gefahr, dass das Publikum es nicht goutieren könnte, dass es mit einer geballten Ladung Poesie und spitzfindigem Wortwitz so ordentlich die Fresse poliert bekommt.

Passt man die Dialoge an, so begeht man fast unweigerlich ein Sakrileg, ermöglicht jedoch einfaches Folgen und gewohnteres Spiel. Was das Folgen können angeht ist es jedoch ein Trugschluss, dass man der Sprache wegen der Handlung von Shakespeares Stücken nicht folgen könne: dieser war schlau genug, die Ereignisse in den Dialogen zu wiederholen, so dass auch der hinterste und letzte (oder zu Shakespeares Zeiten auch der noch so betrunkenste Zuschauer) nichts von der Handlung verpasst.

Ähnlich problematisch ist die Frage des Settings: will man das Stück in die moderne Welt versetzen, wirken die Originaldialoge im schlechtesten Fall umständlich, unangebracht und komplett künstlich. Ändert man Setting und Sprache, so könnte am Ende etwas gar wenig Shakespeare übriggeblieben sein.
Lässt man die Geschichte in der elisabethanischen Zeit um 1600, so killt man die Produktion mit einem Kostümschinken-Budget – oder hat am Ende einen halbherzigen und dürftig ausgestatteten FIlm.

Der Regisseur Baz Luhrmann hat sich in seiner Verfilmung Romeo + Juliet aus 1996 für eine Adaptation in die heutige Zeit entschieden und die Dialoge im Original belassen: die zwei sich Rivalisierenden Familien Capulet und Montague werden vom italienischen Verona ins Gang Millieu von Verona Beach gelegt. Dies funktionert recht gut, da für viele Elemente der damaligen Zeit eine moderne Entsprechung gefunden wurde: so sind die Dolche durch Pistolen des Typs „Dagger“ersetzt worden, die mittelalterlichen Longswords sind zu modernen Gewehren geworden, öffentliche Handgemenge zu Gangwars. Die wirtschaftliche Macht der zwei Familien wird durch 2 Wolkenkratzer mit den jeweiligen Familiennamen als riesige Leuchtanzeige auf dem Dach symbolisiert. Der regierende Prince ist der Captain der Polizei.

Die Handlung der Romanze ist jedoch die selbe: Romeo und Juliet lernen sich auf einem Fest im Hause Capulet kennen und verlieben sich auf der Stelle, ohne aber zu wissen, dass sie aus den sich hassenden Familien sind. Sie schwören sich dennoch ewige Liebe und heiraten heimlich. Romeo wird aus der Stadt verbannt, weil er Juliets Vetter umgebracht hat. Um der drohenden Zwangsheirat mit Paris zu entkommen inszeniert Juliet mit Pater Lorenzo ihren eigenen Tod indem sie ein Mittel schluckt dass sie 24 Stunden lang in einen Scheintod versetzt. Der Plan Romeo zu informieren und zu arrangieren, dass er bei ihrem Aufwachen dabei sein könne, um mit ihr zu fliehen läuft schief, da Romeo eine von Pater Lorenzo gesandte Nachricht nie erhält.
Romeo erfährt von seinem Cousin, dass Juliet gestorben sei und geht zurück in die Stadt um sich in ihren Armen das Leben zu nehmen. Romeo stirbt gerade als Juliet am aufwachen ist, und so nimmt sie sich auch das Leben.

Die Geschichte ist soweit recht nah am Original, abgesehen von den nötigen Kürzungen, damit der Film in erträglicher Spielfilmlänge gehalten werden konnte. Einzig fehlendes Element ist die Versöhnung am Schluss: Nachdem beide tot sind, versöhnen sich bei Shakespeare die beiden Familien. Im Film bleibt die Spannung erhalten und an die Stelle des Hasses ist Fassungslosigkeit, Gebrochenheit und Leid gerückt, doch keine Versöhnung. Das gibt dem Ganzen einen realistischeren Touch als bei Shakespeare, wo Montague in Juliets Ehren eine Statue aus purem Gold errichten will.

Die Schauspielerische Leistung ist im Grossen und Ganzen recht gut. Herausragend ist vor allem Harold Perrineau als Mercutio, Romeos bester Freund. Für Mercutio ist das Leben ein einziges grosses Spiel, fast schon ein Witz, und Perrineau spielt die Figur, wankend zwischen euphorischer Lebensfreude und zynischem Pessimismus auf hervorragende Weise.

Sehr schön gemacht ist die Verwendung der Schlussmusik aus Wagners Oper Tristan und Isolde nachdem sich Julia umgebracht hat. Genau wie Romeo und Juliet sind auch Tristan und Isolde betrogene Betrüger, genauso Wie Julia trauert Isolde und wünscht sich den Tod – der dann in Form eines Verklärungs-Overkills dann auch eintritt:

In dem wogenden Schwall,
in dem tönenden Schall,
in des Welt-Atems
wehendem All –
ertrinken,
versinken –
unbewußt –
höchste Lust!

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Trailer

Die Animationen in Flatworld sind phänomenal: in 3D Settings werden die Einzelnen Figuren auf Kartonstücken in 2D animiert.  Zweidimensionales und Dreidimensionales wird gemischt und zusammen mit digitalen Lichteffekten und der Verwendung von Videosamples zu einem dichten und visuell echt spannenden Animationsfilm zusammengefügt.

Flatworld hat eine abgefahrene Geschichte und ist gespickt mit Anspielungen auf die Filmgeschichte, allen vor an einer Interpretation des Triells aus Sergio Leones The Good, The Bad and the Ugly. Definitiv ein Film der nicht nur Kindern sondern vor allem auch Erwachsenen gefällt.

Ich hab den Film auf youtube gefunden, in 3 Teile geteilt und erwartungsgemäss komprimiert, was nicht gerade ein berauschendes Sehvergnügen ist, aber dennoch schon so recht eindrucksvoll ist. Der Film ist aber auf der ersten Best of British Animation Awards DVD zu finden.

IMDB

Teil 1

Teil 2

Teil 3

Son of Rambow spielt in den 80ern und erzählt die Geschichte vom elfjährigen Will, der aus einer streng religiösen Familie kommt und deshalb weder Musik hören, TV schauen noch mit nicht-religiösen Kindern zusammen spielen darf. Während die anderen Kinder in der Schule Schulfernesehen schauen, muss Will vor der Türe warten. Und so lernt er Lee, das Enfant terrible der Schule, kennen. Lee liebt Filme über alles, besitzt eine VIdeokamera und ist Autor bizarrer Clips. Er zeigt Will kurz eine Raubkopie des ersten Rambo Filmes der Will völlig aus den Socken haut. Darauf beschliessen die zwei für einen Nachwuchsfilmwettbewerb der BBC den Film Son of Rambow zu drehen.
Die beiden werden Dicke Freunde doch Wills religiöse Familie droht dem Filmprojekt eine Ende zu setzen. Zudem bleiben ihre Filmereien auch vor den Mitschülern nicht unentdeckt, so dass bald alle mitmachen wollen, allen voran der französische Austauschschüler und Mädchenschwarm Didier. Ein Umstand der die Freundschaft auf eine harte Probe stellt.

Der Film lebt vor allem von der Lebendigkeit der Einfälle der beiden Buben, die ihre Rollen mit sehr viel überzeugung und leichtigkeit spielen. Die atmosphäre der 80er ist sehr schön widergegeben, mit ganz vielen Seitenhieben und Anspielungen auf figuren der damaligen Zeit. Ebenso gelungen sind die Momente in denen das Original First Blood persifliert wird.

Der Film ist jedoch auch eine klare Botschaft gegen das religiös motivierte wegsperren von Kindern, und für ein Leben in denen Kinder die Gelegenheit bekommen, ihre Phantasie zu entfalten und eben Kinder zu sein.

Rating 7/10

IMDB

Hollywood Schmonz mit Tom Hanks. Schwuler Anwalt wird befördert und dann unter seltsamen Vorwänden enlassen als sich erste Symptome von AIDS sichtbar machen. Darauf gehr er vor Gericht und gewinnt, bekommt 5 Millionen $ und stirbt. Das 2 Stunden lang mit Pathos, schwulen/homophoben Klischees und Anflügen von artsy Kamera-einstellungen zu surrealen „Momenten“ der Hauptfigur. Dieser Film war wahrscheinlich nur erfolgreich weil niemand Kritik üben wollte, aus Angst danach als homophob zu gelten. Bäh. Wer übrigens wirklich gute Gerichtsfilme schauen will, dem/der empfehle ich 12 Angry Men oder Witness for the Prosecution.
Rating 5/10

Married Life (2007 Ira Sachs)

Harry (Chris Cooper) betrügt seine Frau Pat mit der viel jüngeren Kay. Er möchte amliebsten nur noch mit ihr zusammen sein, getraut sich aber nicht seine Pat zu verlassen, da er ihr nicht weh tun möchte. Stattdessen beschliesst er sie umzubringen (Ach wie glaubhaft). Gleichzeitig spannt ihm sein bester Freund Richard Kay aus und zu all dem merkt er nicht dass ihn seine Frau ebenfalls betrügt. Gerade in der Nacht als er seine Frau vergiftet (so meint er zumindest) fliegt Richards Verhältnis mit Kay auf und er scheint alles an einem Abend verloren zu haben. Glücklicherweise stirbt seine Frau nicht und er lernt  von neuem an sie zu schätzen.

An sich ist an der Geschichte nicht viel ausszusetzen. Sie ist lediglich so lasch inszeniert und erzählt, dass sie jegliche Spannung verliert. Die Schauspieler spielen erwartungsgemäss solide, aber nicht herausragend – die Figuren sind dazu zu plump. Dieser Film wurde eindeutig durch die Einfallslosigkeit des Regisseurs vergeigt und beweist wieder einmal, dass ein gutes Cast keinen guten Film macht. Schade. Chris Cooper der in Adaptation oder American Beauty Glanzrollen hatte wird hier als Perle vor die Säue geschmissen.

Rating 5/10

There’s Something About Mary (1998)
In der schmalbrüstigen Hoffnung eine wirklich lustige Komödie zu sehen, habe ich diesen Film geschaut. Nein ich bereue es nicht, und gebe zu ich stehe auf billigen Slapstick. Das ist aber auch das einzige was an diesen Streifen lustig ist.

Zur Geschichte: Ted ist ein erfolgloser Schriftsteller der seine Jugendfreundin Mary nicht überwinden kann. Da sie unnauffindbar ist, heuert er den halbseidenen Detektiven Pat an. Der findet sie  in Miami, und verliebt sich gleich in sie. Ted gibt er an, dass Mary mitlerweilen hässlich dick und entstellt ist. Der Rest ist schnell erzählt: Ted findet heraus dass Pat ihn angelogen hat und mary nachgereist ist. alle legen darauf einander aufs kreuz am schluss will Mary nur noch Ted. Hurra.

Die Geschichte an sich ist nichts besonderes, die verfänglichen Situationen sind zwar als humoristische Situation biswilen sogar noch passabel, doch deren Auflösung doch recht plump: So wird z.B. Ted verhaftet weil er verdächtigt wird, einen Menschen kaltblütig in umgebracht zu haben. Ted aber meint er wurde verhafted, weil er einen Autostöppler mitgenommen hat (was in Florida verborten ist). Im Verör gibt er zu „es“ schon unzählige male gemacht zu haben und er bereue gar nichts und würde es jederzeit wieder tun etc. Diese Situation könnte fast endlos auf die Spitze getrieben werden, bloss wird dann in einen anderen Handlungsstrang weggeschnitten und als die Geschichte wieder zurückfindet, sind die Polizisten schon dabei sich zu entschuldigen, denn man habe jetzt den wirklichen Schuldigen gefunden.

In der Wikipedia steht unter „Kritiken“ zu There’s Something About Mary:

Postmoderne“ romantische Komödie, die typische Komik-Situationen durch eine Reihe grober Geschmacklosigkeiten auf eine extreme Spitze treibt und dabei auch vor zynischen Späßen auf Kosten von Minderheiten nicht zurückschreckt.
– Lexikon des Internationalen Films gefunden in der Wikipedia

Wer auch immer das Verfasst hat sollte vielleicht mal Pink Flamingos von John Waters schauen, um sich ein Bild über extreme Spitzen der Geschmacklosigkeit zu machen.

SInd wir mal Milde:
Raring 6/10